Arte Moderno

Arte Moderno El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo XX es el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas manifestaciones artísticas tienen un carácter internacional, aunque en algunos se dan diferencias significativas de forma local.

Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del arte, que pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificarla con un determinado oncepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición- mientras que el arte moderno representa 2 Al ser esencialmente p cualquier delimitació e un problemática, empez Edad Moderna (de m o cronológico, ‘arte moderno» es obvia: el arte de la ales del siglo XVIII) no es lo que se entiende como «arte moderno», mientras que sí lo es el arte de la Edad Contemporánea (desde finales del siglo XVIII hasta la actualidad).

Unicamente si se entiende el concepto de arte moderno no como cronológico, sino como estético (de estilo, de sensibilidad incluso de actitud), pueden explicarse ciertas paradojas. un pintor academicista como

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William Adolphe Bouguereau (muerto en 1905) no hace «arte moderno», mientras que Vincent van Gogh (muerto en 1 890) indudablemente sí; calificar como «modemos» a Velázquez (muerto en 1 660), a Rembr Rembrandt (muerto en 1 669) o a Goya (muerto en 1828) es algo tan común que se ha convertido prácticamente en un tópico.

La postura innovadora de los artistas de este periodo produjo una apertura de las delimitaciones o fronteras del ámbito artístico que condujo a la desaparición de los rasgos inherentes a lo ropiamente artístico. El arte moderno puso de manifiesto que la deformación de los objetos que se representaban no era involuntaria, sino deliberada, artística, buscada con el fin de satisfacer cierta concepción poética de las cosas. El sacrificio de la razón, este irracionalismo es lo que el arte moderno ha hecho valer por encima de las normas tradicionales.

Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la humanidad, por o que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno. Ninguno de los irracionalismos de tos artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento.

En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un irracionalismo objetivista. Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter rofundamente revolucionario e impopular. Las primeras obras del arte moderno se corresponden a los movimientos romántico y realista. Más tarde, se e 62 del arte moderno se corresponden a los movimientos romántico y realista.

Más tarde, se empezó a jugar con la luz y el espacio, a través de la pintura y el color, lo que dio lugar al impresionismo y posimpresionismo. Unos años antes de la Primera Guerra Mundial, se desarrollaron los movimientos del cubismo, el fovismo, el expresionismo y el futurismo. Más tarde vino el surrealismo. A partir de los años 50 y 60 fueron areciendo otras formas de xpresión del arte moderno como el expresionismo abstracto, el pop-art y el minimalismo. Impresionismo Claude Monet, Impresión: soleil levant, 1872-1873 (Paris, Museo Marmottan Monet). Cuadro al que debe su nombre el movimiento.

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del Siglo XIX en Europa -principalmente en Francia- caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el momento de uz, más allá de las formas que subyacen bajo este. El movimiento fue bautizado por la crítica como impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente.

Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias. Édouard Manet Un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista es Édouard Manet. Dos de sus obras son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo. En su Almuerzo sobre la hierbaManet presenta un bodegón. Pese que 62 de su influencia sobre el grupo. En su Almuerzo sobre la hierbaManet presenta un bodegón. ese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y tercer término (muer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los Corot y la escuela de Barbizon Los impresionistas habían tenido un precedente en Camille Corot y en la Escuela de Barbizon.

Corot tuvo un importante papel en la formulación del Impresionismo, porque renunció a muchos de los recursos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención en espacios más planos, más sencillos y en superficies más luminosas. Y, aunque a diferencia de los Impresionistas nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para conseguir una cierta composición clásica, también usó con frecuencia una elevada clave tonal así como, en términos generales, un frescor y na espontaneidad nuevos en el Salón oficial.

Técnica y estética impresionista Claude Monet, Catedral de Rúan. En la entrada principal de la catedral distinguimos azul ultramar y violeta para las sombras (colores mas saturados que la parte superior, más iluminada) al igual que naranja dentro de la misma zona de sombra para definir los reflejos en la oscuridad. Colores puros La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones cientiTicas y técn 4 62 cientiTicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colorea su pintura, generalmente al óleo.

Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desatorados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad.

Del mismo modo, las uces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, más propio del dibujo, una sombra podría ser más intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir creando ilusión de sombra y profundidad. Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. ara definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más Matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y ombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color. un buen ejemplo del uso de los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Rúan de Claude Monet al I s 2 y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Rúan de Claude Monet al lado. Este uso de los colores sería absorbido después por las primeras vanguardias, especialmente por el fovismode Matisse o Gauguin.

Pincelada gestáltica Claude Monet, Parlamento de Londres. Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a una visión unitaria de atmósfera y radación de cálidos a fríos. Seurat, La Parade. Los neo impresionistas llevaron al extremo esta pincelada gestáltica, en este caso en forma de puntos, dando lugar a un color y forma unitarios. Forma Auguste Renoir, La Balançoire. La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la descripción de su forma. No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética impresionista.

Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet fueron realizadas en su mayoría en interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen la dicción ormal del arte de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La atmósfera y el color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando representaba lo que parece, a primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo con tantas iron[as y contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez. De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet.

En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente ara establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir es el pintor que nos conve 6 62 sime únicamente para establecer cierta coherencia. por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista Sin duda, Camille Pissarro fue el menos espectacular de los impresionistas porque es un pintor más tonal que esencialmente colorista. ero, decano del impresionismo, tuvo un importante papel como conciencia moral y guía artístico. Recordando siempre que la primera manifestación oficial del impresionismo fue la exposición organizada en 1874 en el estudio el fotógrafo Nadar, al margen del Salón oficial, por un g upo de pintores (Bazille, Cézanne, Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley), cuyas obras motivaron el rechazo generalizado d la critica y del público. Un cuadro de Monet, Impresión, sol naciente, motivó la denominación «impresionismo», creada con intención peyorativa por el crítico Leroy.

Esta primera muestra fue el punto de llegada de un período de formación iniciado unos quince años antes por un grupo de artistas de la Academia Suiza (Pissarro, Cézanne, Guiilaumin, Monet, Renoir, Sisley, Bazille), quienes, interesados en omper con los planteamientos pictóricos tradicionales y a partir de las Innovaciones de Corot y de los paisajistas de la escuela de Barbizon, se centraron en la pintura al aire libre y buscaron el plasmado cambiante de la luminosidad de los paisajes y de las figuras humanas.

Algunos pintores impresionistas Frédéric Bazille Gustave Caillebotte Mary Cassatt Paul Cézanne (considerado impresionista, aunque más adelante dejará el grupo y se anticipará al Cubismo) Edgar Degas Armand Guiilaumin Édouard Manet (considerado el precursor por excelencia de la pintura 7 62 pintura impresionista)

Claude Monet (el más prol[fico y quien más definió la estética del grupo) Berthe Morisot Camille Pissarro Pierre-Auguste Renoir Alfred Sisley Henri Rouart Posimpresionismo o postimpresionismo es un término histórico- artístico que se aplica a iOS estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el critico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910.

Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del mpresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Venecia, Claude Monet, 1908. Antecedentes Todos los artistas agrupados bajo el término postimpresionismo conocieron y practicaron en algún momento los postulados impresionistas, un movimiento pictórico que se desarrolló en la egunda mitad del siglo XIX y que Rompió los supuestos académicos, sociales y económicos vigentes en el arte. Supuso una revolución y sus obras recibieron fuertes críticas.

Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, déc impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento nació el postimpresionismo en parte como evolución en parte como ruptura. El impresionismo supuso una ruptura de los conceptos dominantes en la pintura y la escultura.

Si hasta entonces primaban el estudio racional de la obra, la composición sobre dibujos previos y la claridad de las líneas, los neoimpresionistas abandonaron ese suelo para tratar de captar en sus obras la impresión espontánea, tal como llegaba a sus sentidos. No les importaba tanto el objeto que se quería pintar como la sensación recibida. La sensación fugaz, efímera, difícilmente perceptible y reproducible. Los pintores impresionistas abandonaron los talleres y salieron al exterior.

Sus modelos fueron la calle, el edificio, el paisaje, la persona, el hecho pero no en su concepción estática y permanente sino percibida en ese momento casi unico. El pintor impresionista pintaba in situ y terminaba la obra con rapidez. Utilizaba trazos sueltos, cortos y vigorosos. Los objetos y el propio espacio no se delimitaban con líneas siguiendo los cánones renacentistas sino que se formaban en la retina del observador a partir de esos trazos imprecisos. Cézanne, Gauguin y Van Gogh La obra de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal.

Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas{1 895-1898, MOMA, Nue paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas{1 895-1898, MoMA, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo. Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la obra

Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas). Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada (1 889, MOMA de Nueva York), preludió el Expresionismo. Henri de Toulouse-l_autrec Un domingo de verano en la Grande Jatte de Georges Seurat. Henri de Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las composiciones lineales de idos grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los intensos grabados de contorno y los colores planos. Neoimpresionismo,

Georges Seurat, denominado neo impresionista por sus criterios más próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte 1884-1886, Art Institute de Chicago). Artistas postimpresionistas[editar • editar código] El peinado de René Schützenberger. Paul Cézanne (cubismo, abstraccionismo) Paul Gauguin (fauvismo, simbolismo) Georges Seurat (puntillismo) Paul Signac (puntillismo) Henri de Toulouse-Lautrec (expresionismo) Vincent van Gogh (puntillismo, expresionismo y abstraccionismo) Ferdinand Hodler 0 DF 62 Edvard Munch (expresioni